白色ISLAND沙发产自西班牙品牌Blasco，ISLAND系列模块化沙发，是品牌最具代表性的经典作品之一。 蛇口，一个被老深圳人戏称为“鬼佬聚集地”的地方，是深圳最早的外籍人士聚集地。酒吧、海鲜市场、糖水店、艺术机构曾在此混杂生长，形成一种迥异于深圳其他区域的松弛感。后来浪潮退去，蛇口反而沉淀出一种更本地、更日常的质感。老葛喜欢这里一半广东、一半世界的模糊边界，也喜欢窗外那个还在作业的渔港，有渔船在穿梭，有海鸟在盘旋，有一种不被规划打断的生动。 葛亚曦选择的是半岛尽头一处直面内湾的房子。窗外不见车马，只有潮汐涨落，对岸是香港的层叠山影。“我决定的时候，所有理性的朋友都反对。”他指了指尚未完工的烂尾楼，但他最终还是感性冲动战胜了理性核算，“因为我需要一个地方，油门一踩就能逃离与世界的缠斗。我需要拥有自己的一片海。” 
葛亚曦 LSD Interior Design进化设计创始人，致力于前瞻性的室内空间整体解决方案，包括商业空间、酒店设计、高定私宅、地产样板间、展厅等。折衷共相为设计哲学理论，通过时代要素的研究，把哲学角度的共相理论过渡到设计的“本质”问题上，在风格之上强调基于“人”的思考，发掘共性和个性需求。 
餐厅区的长桌是一张复合功能台，既可以承载日常用餐和朋友小聚，也可以成为孩子休闲作画的画台。墙面悬挂艺术家的阿彼察邦·韦拉斯哈古（APICHATPONG WEERASETHAKUL)的作品《一段孤独的回忆》。 
餐厅的餐椅是巴西60年代设计师款“Curva”玫瑰木座椅，由Joaquim Tenreiro设计，在20世纪40年代的时候Tenreiro 的作品越来越受欢迎，这款椅子是他最知名的设计之一。 空间的首要原则是创造流动性与通透性，所有能打开的边界都予以打开，使光线可以进入，主卫的半隔断恰到好处地引入光线，给空间形成借景。 退让，是这座房子的设计主旨。葛亚曦将这种策略称为“让海做主”。他几乎拆掉了所有遮挡视线的墙体。客厅没有采用常规的沙发正对海面的布局，因为他知道，人其实很少正襟危坐地看海，更多时候是斜靠着、躺着，光着脚在地板上走来走去。于是沙发被随意安置，视线可以被导向山的方向，也可以忽然转向水面。 他甚至刻意把洗手间与卧室之间的墙凿开一段，让傍晚的光线毫无阻碍地洒进私密空间。他不要一眼被界定，因为没有被界定，才有变化。卧室被压缩成刚好安睡的大小，用他的话来说，“睡觉的地方大了，心就散了”。整座宅子像一只谦逊的取景器，设计步步退让，海的在场感才得以饱满。 餐厅靠墙位置的艺术品为20 世纪 60 年代英国抽象动态金属雕塑，属于英国抽象 / 动力学雕塑运动的作品，融合了几何线条与动态平衡美学。轻轻触摸，各个部分便会优雅地左右摇摆，呈现出不断变化的动态舞蹈。 客厅以木结构为骨骼，不同材质的表面在柔和光线里彼此过渡、消隐边界。打开客厅的移门，海的面貌便全然展现在眼前。 材质的选择同样遵循退让逻辑。地面和墙面大范围采用深色天然石材与木饰面，色相被精确挑选到与黄昏六点的阳光同频。 当阳光从凿开的缝隙倾入，整个空间不是被照亮，而是被浸润，材料不再是主角，而是成为了光的容器。 玄关被设计成一个精心控制的“暗空间”，而进入时的片刻幽暗，只为将海景推至眼前时那瞬间的“豁然开朗”。 木作上悬挂法国具象表现主义画家贝尔纳·布菲（Bernard Buffet）的《Pot de fleurs》，视线向左，中国艺术家余友涵的画作与之呼应。 靠墙的黑色单沙来自美国品牌Hickory White系列的Albert Manor Chair。黑色沙发旁是法国Pierre Chapo榆木实木小矮凳，是Pierre Chapo最经典的设计之一。单沙上方悬挂的艺术画来自艺术家弗里德里希·埃因霍夫（Friedrich Einhoff）。 有趣的是，老葛并未全部拆掉房子交付时自带的精装设计。那里贴着工业化生产的墙砖，线条拘谨，色温冰冷，与周围克制的天然材质形成荒诞的对照。问及缘由，他只说“懒得拆”，“留着它，心情反而愉快，你就知道世界原本长什么样，而你是那个偶尔脱轨的人。”这份对“不完美”的坦然接纳，恰恰是他设计中最诚实的注脚。 书柜上的小型艺术画是艺术家王爽的《塞壬之境》，在大块面的木作中增添一份色彩。书柜上来自比利时的抽象生物形态雕塑未曾被命名，受原子时代美学影响，采用拼接式木雕结构，通过倾斜的几何体、圆角边缘和榫卯细节，构建出抽象的动态形态，整体呈现出类似 “抽象人形 / 机械结构” 的视觉效果，带有强烈的建筑感与平衡美学。 阳台是他眼中不可妥协的必需品。他没有将它封进室内，而是任其敞开，面朝大海。赤脚踩在户外木地板上，风从海面径直吹来，渔船的马达声隐约可闻，夕阳缓缓落在香港的山脊上。坐在这里，听不见车声，看不见城市的痕迹。"这里是不是深圳，都无所谓。你不是在某个住宅里，你是住在海上。" 一体化实木餐厨水吧，木作、石材与艺术陈设相融，内敛复古的居家备餐空间。整个空间的体系维持着真实的界面关系，材质和肌理的真实让空间更加诚恳。水吧廊道上的挂画来自艺术家徐累。 餐桌上，手工陶器与水生绿植构成一处安静的细节景致。 老葛总结他的设计目标，就是最低成本地靠近解决问题。在这里，设计不再是宣言，而是一场静默的谈判。设计师退一步，使用者进一步；形式退一步，感受进一步。 沙发一侧是1930年代的古董书桌，由荷兰工坊Van der Pol制作，融合了海牙学派与阿姆斯特丹学派双重风格，是一件带有时间痕迹的老物件。客厅柜体里的艺术画是中国艺术家林科的《绝望Despair》。 单沙旁边的落地灯是荷兰现代主义设计的代表作品，由Elmar Berkovich为Metz & Co.设计，是荷兰早期现代主义 / 包豪斯风格的经典灯具。 三年前，AD曾探访过老葛的另一个家，一栋市中心的独栋别墅。那里是一种带有社会自觉的克制极繁主义，平静而热烈：阳光穿过泳池水面，折射到小院的栀子花上，老葛不仅安放自己的偏好，也承载外界对“设计师之家”的想象，每一寸角落都像在宣告一种“不张扬的张扬”。如今这个家收敛了许多。他说道：“以前想把全世界搬进来，现在只想把世界关在门外”。三年时间，家的风貌变了，老葛还是那个一身黑衣的老葛，岁月似乎没在他脸上留下什么痕迹。 主卧被定义为“暗空间”，天花色调比客厅再压低一度，划分出公共区与睡眠区的情绪边界。克制的深调是对本能的回应，包裹的氛围安抚感官，让身体自然切换到休息模式。 黑色休闲椅，是 1960 年代荷兰现代主义家具的标志性作品之一，由荷兰设计师Martin Visser所设计。墙面的炭笔画来自韩国艺术家Christine Sun KIM。 但如果你见过三年前的他，会认出那个更浓烈的人，愤怒、野心、用设计改变行业的使命感，像一团烧得过旺的火。在经历了行业震荡与个人调整之后，如今坐在自家阳台上看海的他，语调变得平缓，像海面日落后的余温。 木质门框将空间框成一幅完整的画面，让空间在开敞中保有边界。整面天然古纹石材从台面一路延展至壁面，将整个空间划分为一个整体。 廊道的光影在此层层递进，让空间有了一种安静的纵深感。常玉的《侧坐裸女》被轻巧的放置在目光可及的地方。 “我明显感觉到学习能力在下降，记忆力和专注力都不如从前。”但说这话时，他没有焦虑，反而带着一种坦诚的轻快。因为他同时在做一件事：把自己重新养一遍。他又重新拿起英语课本，每周上三次课；请了钢琴老师，从零开始练习指法；书房里散落着哲学、心理学、经济学之类的书，有的读到一半，有的还没拆封。在他看来，兴趣爱好如果不变成专长，就只是一种消遣。他想把几件事真正学进去，有几个可以持续投入的支点。 白色Diner休闲椅，出自意大利品牌Baxter，是设计师Piero Lissoni的作品。壁龛里的木板纸本拼贴画来自艺术家恩佐·库奇(Enzo Cucchi)。 由卧室回望书房的连廊，这个灰空间将家里不同的功能区串联动静分离。 这种“重新养一遍”的心态，也深深投射在他的设计观里。老葛对设计的核心认知其实从未改变——设计不是风格，风格也不该成为出发点。只是二十年前，他的方式更锐利、更决绝，带着一种与行业主流对峙的锋芒。如今他不再需要用锋芒来标记立场，他更在意的是：设计是否诚实。 对老葛而言，诚实不是一种风格，而是一种近乎残酷的自我审视。他坦言，年轻时也试图用每一个节点、每一条缝线去宣告某种主张，“那时候觉得，设计还是要被识别出来。现在才明白，这些其实是主张的结果，而不是起点。如果你真的有内核，形式会自动浮现；如果你没有，再多的装饰也只是噪音。” 夏日傍晚五六点，光线开始变得柔软，远处海面上的粼粼波光也透过纱帘荡进室内。那种无需刻意捕捉、自然流淌的幸福感，通过时间、光影的变化而变得具体。 在光影中Baxter的Diner休闲椅。皮质休闲椅旁是木质小几和陶瓷托盘，不同材质让空间感官更加丰富。 厚重深木门扇构成天然画框，以框景手法塑造极强空间纵深感。 这种转变，与他重新学习英语、钢琴的过程如出一辙。他不再追求那种“看起来已经会了”的体面，而是老老实实地从指法、音阶、单词的变形开始，接受自己的笨拙、缓慢，甚至退步。做设计也是如此，不能再靠一句“我觉得好看”来糊弄自己，而是要反复追问：这个决策到底在解决什么问题？它是不是最低成本的方式？它有没有在暗自炫耀？ 主卧的单沙可以调节到面向大海的角度，对面遥遥望去，一边是香港，一边是蛇口的热闹日常。日落的时候，夕阳会将整个空间照亮。 后方线条感的黑色单椅源自瑞典品牌 Källemo 出品的 Bruno Armchair，由设计师 Mats Theselius 于 1997 年设计，是北欧现代家具的经典之作。 他指了指客厅里那块粗粝的石材台面，没有抛光，没有雕琢，只是恰好被安放在夕阳能够照到的地方。挑这块石头，不是因为贵，不是因为品牌，而是因为它的色相与明暗度，刚好能接住六七点钟的光。这不是一次表达，而是一种回应。 书房之中整面胡桃木开放式层架成为家中的精神收纳场，书籍、画作、手工器皿与复古器物无刻意规整，随性铺陈出设计师的审美脉络。中间层的艺术画是韦嘉的《幸会》。 如果说三年前那个家张扬、浓烈，像一场盛大的派对。而如今这个面朝大海的房子，安静，克制，甚至可以说是有些冷清。社交急剧减少，过去用来容纳朋友聚会的大片空间，如今让位给了书籍、乐谱和音响。这不是孤僻，而是一种校准，把娱乐的时间换成学习，把喧闹的能量转化为独处的养分。校准的核心，只有两个字：诚实。 住宅是最容易贴近真相的场域。人在外面可以虚张声势，可以左右逢源，但回到这里，面对那片海，必须诚实。这个念头如今成了老葛评判设计的第一把尺子。他不再追求所谓的设计语言或风格辨识度，甚至开始警惕那些过于顺滑的表达。不去炫耀技巧，也不去炫耀语言，他把方法的痕迹压到最低。当一个设计师过分强调工艺、用材或艺术性，那些东西本身就变成了可疑的装饰，它们不再服务于使用者，而是在替设计师说话。 童书、摆件与画作随心陈列，墙面的艺术画是艺术家杨茂源的《陶罐人》，充满童趣和快乐的一副作品。满墙木色包裹书香角落，满是松弛自在的居家文艺气息。 这种诚实体现在每一处设计决策，他会反复追问：这个角落的存在，是在安放居住者的注意力，还是在安放我的表达欲？许多住宅设计里藏着设计师无意识的签名，一个过于突出的造型，一面为了拍照而存在的墙，一种仅仅因为好看所以选用的昂贵材料。他一一拿掉这些东西。最终呈现出来的家，没有一张让人惊叹的惊艳面孔，却有一种让人坐下后不想再起身的沉静。 老葛越来越习惯用经济学的思维审视设计。边际收益、机会成本、资源配置，这些词汇频繁出现在他的工作讨论中。图纸的背后聚焦于成本逻辑，而不是艺术家式的任性。审美不再是目标，而被降格为前提；艺术不再挂在嘴边，而是被视作长期投入后可能自然抵达的终点，不值得提前炫耀。先谈设计的事，再谈文化与艺术，在老葛看来，那是三个不同的维度。 比利时传奇建筑师 Willy Van Der Meeren 为比利时品牌 TUBAX 设计的 1950 年代经典吧凳，是工业风现代家具的标志性作品。 窗外的海听不见车声，也看不见城市的痕迹。这里是不是深圳都无所谓。设计走到这一步，终于不再是向外宣告，而是向内安放。而这一切的起点，不过是老葛愿意对自己说一句真话。 |
收藏 
说两句 
精华推荐
换一换
发表评论0